Visitar la Galería de los Uffizi en Florencia: 12 puntos destacados, consejos y recorridos principales

Más allá de los coleccionistas, los Medici fueron grandes mecenas del arte, y sin su patrocinio, muchas de estas obras podrían nunca haber sido creadas. En algún momento de su recorrido, deténgase para dar un breve gesto de agradecimiento a la mujer que aseguró que esta gran colección, y las otras obras de arte de Medici, se quedarían aquí en Florencia. Las colecciones fueron legadas a la ciudad por Anna Maria Ludovica von der Pfalz, la última heredera de la casa de Medici, quien murió en 1743. Y ella estipuló que debían permanecer en Florencia.

Exterior de la galería de los Uffizi
Exterior de la galería de los Uffizi

El Uffizi contiene una de las colecciones de pinturas más importantes del mundo. Además del arte florentino e italiano, también incluye una gran cantidad de obras extranjeras y escultura clásica. Su mayor tesoro es la colección única de pintura renacentista florentina, una parte vital de la contribución de esta ciudad al arte europeo. Estas obras de entre aproximadamente 1300 y 1500 marcan el camino para todo el arte occidental que siguió.

En esta guía, encontrará los aspectos más destacados de los tesoros de los Uffizi, siguiendo el mismo orden que la propia guía turística del museo. Las obras de arte se muestran en orden cronológico según el momento en que fueron pintadas, comenzando con la Sala 2 en el segundo piso de los Uffizi. Sin embargo, más allá de la Sala 13, la galería octogonal en el Tribune, las obras ya no están en orden cronológico, sino según las escuelas, las regiones y los países. Cubren obras de aproximadamente 1500 a 1700.

1 Madonna entronizada de Cimabue y arte toscano del siglo XIII

La Virgen de Cimabue entronizada y el arte toscano del siglo XIII
La Virgen de Cimabue entronizada y el arte toscano del siglo XIII
Leonid Ll / foto modificada

La sala 2 de los Uffizi reúne a tres grandes Madonnas de alrededor de 1300, ilustrando el debut del arte toscano y uno de sus primeros puntos culminantes. Estas tres pinturas, vistas juntas, son la mejor introducción que podrías pedir, tanto a los Uffizi como al arte renacentista. La Madonna entronizada de Cimabue (hacia 1275) todavía está completamente en la tradición bizantina de pintar a la Virgen, que parece una estatua, distante de la realidad y rodeada de ángeles dispuestos simétricamente. El Niño Jesús de Cimabue está vestido como un general romano, y no hay signos de ningún intercambio tierno entre madre e hijo. Por el contrario, Madonna Enthroned de Duccio (1285) muestra más movimiento, con colores suaves y líneas fluidas, pero aún etéreo y distante.

La primera aparición de una visión humana y realista es en la Madonna entronizada por Giotto(ca. 1310). El trono parece casi al alcance, las figuras tienen peso y solidez, haciendo contacto visual entre sí y con el espectador. Giotto fue el primer artista en representar a la Virgen como una mujer con presencia física, e incluso sus figuras menores están animadas y tienen diferentes expresiones faciales. Se separa de los colores más apagados del arte bizantino, pero los fondos siguen siendo el oro tradicional. Sin embargo, el logro más importante e histórico de Giotto fue su composición. Fue el primer pintor en crear un espacio bien definido que considera el ojo del espectador, y su composición piramidal creó un modelo que duraría siglos. El estilo más personal y realista de Giotto fue conducir a un verdadero renacimiento en el arte. A partir de ese momento, la pintura sería un arte en sí mismo, que finalmente opacaría la escultura.

2 Anunciación de Simone Martini y Lippo Memmi (arte toscano del siglo XIV)

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<i>Anunciación</i> de Simone Martini y Lippo Memmi (arte toscano del siglo XIV)<br />
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Las siguientes galerías muestran cómo otros pintores estaban cambiando de las viejas normas. Aunque la Anunciación (alrededor de 1333) del artista sienés Simone Martini y su cuñado Lippo Memmi, todavía tiene un estilo muy gótico, ya muestra la transición a un Nuevo Realismo. El escenario, con sus torretas y gabletes, suena con arquitectura gótica, pero el atuendo del ángel y la Virgen muestran un gran refinamiento y elegancia. Los movimientos tienen ternura y sensibilidad, pero las delicadas imágenes femeninas siguen siendo casi etéreas.

Entre otros ejemplos de Siena del siglo XIV se encuentran Madonna in Glory (1340) de Pietro Lorenzetti, un seguidor de Giotto, y escenas de la vida de San Nicolás de Ambrogio Lorenzetti, notables por sus intentos de usar la perspectiva. Los seguidores florentinos más destacados de Giotto que se muestran aquí son Bernardo Daddi (muerto en 1348) y Taddeo Gaddi (muerto en 1366), cuyos retablos usan colores delicados y líneas suaves y elegantes para mostrar a las personas y escenarios de manera más realista.

3 Adoración de los magos de Gentile da Fabriano

Adoración de los magos de Gentile da Fabriano
Adoración de los magos de Gentile da Fabriano
Leonid Ll / foto modificada

El gótico continuó dominando el arte hasta principios del siglo XV, pero aunque la Adoración de los Magos de Gentile da Fabriano (1423) aún transmite el ideal gótico de la belleza, su espléndida atención al detalle marca la transición temprana del gótico al renacimiento. También puede ver en el fondo, debajo de los arcos del marco ornamentado del retablo, el comienzo de un intento de mostrar la perspectiva a medida que la procesión se hace más pequeña y casi desaparece en el horizonte. Esta es considerada su obra maestra y epítome de la pintura gótica internacional.

El contemporáneo de Fabriano, Masaccio, revolucionó aún más el arte de la perspectiva en sus esfuerzos por crear tres dimensiones en una superficie bidimensional. La Madonna y el Niño de Santa Ana de Masaccio (ca. 1420), pintada con Masolino, es una de sus primeras obras. Se clasifica con Brunelleschi y Donatello como uno de los fundadores del Renacimiento, una nueva experiencia artística en la realidad, basada en observar y registrar la naturaleza con precisión. Puedes ver esto en el modelado en relieve y la belleza natural realista de los rostros y figuras en el retablo de Masaccio.

Busque también la Coronación de la Virgen de Fra Angelico , el monje dominico contemporáneo de Masaccio, y cuyo místico concepto religioso del arte lo lleva en la dirección opuesta. Pero él estaba innovando de otras maneras. Si bien todavía usa fondos dorados y figuras drapeadas etéreas, los ricos colores y la disposición circular de figuras de Fra Angelico crean una perspectiva pictórica unificadora.

4 Virgen y el niño de Domenico Veneziano

La Virgen y el Niño de Domenico Veneziano
La Virgen y el Niño de Domenico Veneziano
Leonid Ll / foto modificada

Abandonando la convención anterior de un fondo de oro para un retablo, en esta obra de 1445, Veneziano lleva la perspectiva a nuevas alturas colocando a los santos armoniosamente en un semicírculo, y mejora el efecto de profundidad por los patrones geométricos del mármol con incrustaciones. Sin embargo, su principal innovación llegó como maestro de luces y sombras realistas. Sus finos matices y delicados tonos de color estaban muy por delante de las áreas sólidas de color fuerte utilizadas por sus contemporáneos florentinos. El uso de la luz y los colores por parte de Veneziano influyó en el trabajo de Piero della Francesco, quien a menudo colaboró ​​con él.

5 retratos del duque y duquesa de Urbino por Piero della Francesca

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<i>Retratos del duque y duquesa de Urbino</i> por Piero della Francesca<br />
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La pintura de retratos fue otro enfoque para el arte del Renacimiento temprano, y uno que mantuvo contentos a los clientes. Los retratos del duque y la duquesa de Urbino de Piero della Francesca de alrededor de 1465 son un buen ejemplo. Pero Piero no halagó a sus cuidadores, mostrando la nariz aguileña del Duque, las arrugas, los labios delgados y la constitución robusta. Observe el fondo, un raro ejemplo del paisaje renacentista temprano.

Más parecido a un retrato que al arte religioso es la Virgen y el Niño de Filippo Lippi (ca. 1460), una joven María elegantemente vestida con dos ángeles sonrientes, una escena que muestra afecto y contacto visual entre madre e hijo que refleja interpretaciones secularizadas cada vez mayores de temas religiosos. La habitación 9 presenta enormes paneles de las Siete Virtudes, de Piero del Pollaiolo. En realidad, Piero pintó solo seis, la séptima es una de las primeras obras de Botticelli.

6 El nacimiento de Venus de Botticelli

El nacimiento de Venus de Botticelli
El nacimiento de Venus de Botticelli
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Lo que te lleva a la Edad de Oro de Florencia y a una de sus estrellas más brillantes, Botticelli. Junto con su propio engrandecimiento, los florentinos patricios estaban intensamente interesados ​​en la literatura clásica y la filosofía, y las obras más famosas de Botticelli , Nacimiento de Venus y Primavera,ambos encargados por un Medici, reflejan esto. En el nacimiento de Venus (1482/1483) Botticelli combina el pensamiento clásico y cristiano en términos de ideas renacentistas, como un renacimiento del espíritu de la mitología clásica y la teología cristiana. Pinta un desnudo femenino inspirado en una estatua clásica de la diosa del amor Venus, e implica un bautismo cristiano (como Cristo es bautizado en el Jordán). Compare este pensamiento florentino con la sepultura del pintor flamenco Rogier van der Weyden (ca. 1450) y el retablo de Portinari de Hugo van der Goes, ambos en la misma habitación, para apreciar cuán ampliamente estas ideas florentinas diferían de las del norte de Europa. Allí, un desnudo sería impensable, y las figuras están ocultas en cortinas.

Botticelli pintó el retablo Adoración de los Reyes Magos alrededor de 1475 cuando tenía unos 30 años, y la comisión incluyó la representación de miembros de la familia Medici y sus asociados entre los espectadores. Organizó el grupo en una pirámide con la sagrada familia en su apogeo, debajo de ellos los tres reyes, los tres Medici de más alto rango, y debajo de ellos en orden de rango más Medici y sus amigos. El tema real parece retroceder en el fondo, sirviendo más como pretexto para una magnífica representación de los Medici y sus partidarios.

7 La Anunciación de Leonardo da Vinci

La Anunciación de Leonardo da Vinci
La Anunciación de Leonardo da Vinci
Leonid Ll / foto modificada

Leonardo da Vinci vivió en un momento de descubrimiento científico que cuestionaba los relatos bíblicos como el único modelo para explicar el universo. Un rasgo principal de su trabajo, ya sea pintura o escultura, fue incorporar la naturaleza a su trabajo de una manera que hizo que los temas religiosos místicos fueran más creíbles en un mundo que rápidamente se estaba dando cuenta de la ciencia. En este trabajo inicial, muestra las alas del ángel como alas de pájaro realistas cubiertas de plumas.

Leonardo también capta con sensibilidad la atmósfera de su tiempo en la Adoración de los Magos (1481). En el centro de esta imagen inacabada, la Virgen y el niño aparecen como una influencia estabilizadora, rodeados por una gran cantidad de personas que saludan el nacimiento con asombro y asombro o con duda y miedo. En lugar de un cuento popular, la Natividad adquiere una nueva dimensión de redención mundial.

La sala 16 es la última en la primera parte de la gira de los Uffizi, dedicada al arte florentino y toscano de 1300 a 1500, principalmente en orden cronológico. El arte del Renacimiento italiano posterior sigue en la Sala 25 en adelante, organizado de acuerdo con las escuelas de pintura.

8 La tribuna

La tribuna
La tribuna
Darold Massaro / foto modificada

En el centro de la impresionante Tribuna octogonal , en sí misma una obra de arte, se encuentra el Medici Venus, la escultura de mármol clásica más famosa de Florencia y que Praxiteles pensó que era una versión griega tardía del Afrodita de Cnidus. En las paredes hay retratos manieristas de la familia Medici de mediados del siglo XVI, los más destacados por Pontormo, Bronzino y Vasari. Pietro Perugino , estudiante de Verrocchio y maestro de Rafael, está representado por Madonna con los Santos y varios retratos que muestran su realismo tridimensional y su color tenue que allanó el camino para el arte clásico del Alto Renacimiento. Del mismo modo, la turbulencia y el color del estilo de Luca Signorelli , como verá, suHoly Family ( ca. 1495) y Madonna and Child , por otro lado, muestran mucha más turbulencia y movimiento, una influencia en el joven Miguel Ángel.

9 Adoración de los magos de Albrecht Dürer

Adoración de los magos de Albrecht Dürer
Adoración de los magos de Albrecht Dürer
Leonid Ll / foto modificada

Al mismo tiempo que los pintores florentinos y otros pintores italianos estaban cambiando el mundo del arte, los artistas alemanes se estaban mudando a su propio Renacimiento, como verán en las obras maestras de Albrecht Dürer. En Adoration of the Magi (1504), Durero muestra su comprensión de la perspectiva y el juego de luces en el drapeado de la ropa. Utiliza colores brillantes de primer plano para fomentar la ilusión de la perspectiva. Al igual que otros artistas alemanes y del norte de Europa, incluye una gran cantidad de detalles y lucha por un realismo meticuloso. El artista de Nuremberg también está representado por su Virgen y el Niño (1526) y por una de sus primeras obras aún existentes, Retrato del Padre (1490).

Las obras del artista alemán Lucas Cranach incluyen su retrato de Martin Luther y su esposa Katharina, un autorretrato, un impresionante Melanchthon y un Adán y Eva bastante eróticos . La pintura veneciana, caracterizada por un color suave y una luz equilibrada, está representada por la alegoría religiosa de Giovanni Bellini (ca. 1485) y el retrato de un jinete maltés de Giorgione. También representan el arte del Alto Renacimiento en el norte de Italia las obras religiosas de Antonio Allegri, más conocido como Correggio, cuyas composiciones diagonales, efectos de luz y profundidades de perspectiva inusuales tuvieron una influencia duradera en la pintura barroca posterior.

10 La Sagrada Familia de Miguel Ángel y el Alto Renacimiento

La Sagrada Familia de Miguel Ángel y el Alto Renacimiento
La Sagrada Familia de Miguel Ángel y el Alto Renacimiento
Darold Massaro / foto modificada

La Sagrada Familia de Miguel Ángel (1504/1505), conocida como Doni Tondo, carece de cualquier sentimiento religioso, la familia parece tallada en un bloque y muestra la sólida formación de Miguel Ángel en la escultura. En esta pintura, verá indicios de su obra maestra en el techo de la Capilla Sixtina en la profusión de figuras desnudas y los colores brillantes e iridiscentes. El año de la muerte de Rafael (1520) marcó el comienzo del manierismo, la fase tardía del Renacimiento que duró hasta aproximadamente 1600. Su partida de los estilos clásicos incluía formas y colores no naturales, mostrados por la composición casi bidimensional de Moisés Defending de Rosso Fiorentino Las hijas de Jetro (1523), cuyas figuras parecen irreales, casi como muñecas articuladas.

Tres obras importantes de Rafael de este mismo período incluyen un autorretrato (ca. 1506), su encantadora Virgen María con el Jilguero y el Papa León X con los cardenales Giulio de ‘Medici y Luigi de’Rossi. Rafael representa al Papa como un individuo e intelectual, no simplemente como un líder poderoso. La Madonna con las Arpías de Andrea del Sarto , un retablo monumental que es típico del arte florentino del Alto Renacimiento, combina la técnica suave de Rafael con la monumentalidad de Miguel Ángel y las cualidades atmosféricas de Leonardo da Vinci. El manierismo fue la transición del siglo XVI entre el Renacimiento y el Barroco, turbulenta y llena de movimiento, distorsionando la realidad e interpretando místicamente la piedad. EnLa cena de Jacopo da Pontormo en Emaús (ca. 1525), verá la influencia de sus maestros Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto fusionados con la inspiración del trabajo tardío de Rafael y el arte monumental de Miguel Ángel.

Las obras del gran pintor veneciano Tiziano incluyen Venus de Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venus y Cupido (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, duque de Urbino y La Flora , uno de sus mejores retratos de las mujeres . Venus de Urbino es especialmente interesante por la forma en que Tiziano usa tonos de rojo para unir diagonalmente las diferentes partes de la imagen. Girolamo Francesco Maria Mazzola, conocido como Parmigianino, fue influenciado por Correggio, el Alto Renacimiento romano y el Manierismo . Virgen con el cuello largo, pintado entre 1534 y 1540, es un buen ejemplo de distorsión manierista, con sus figuras alargadas y su extraña luz.

11 La Sagrada Familia de Veronese con Santa Bárbara

La Sagrada Familia de Veronese con Santa Bárbara
La Sagrada Familia de Veronese con Santa Bárbara
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Si sus ojos aún no se han vidriado, mire en las galerías restantes, que contienen una variedad de obras maestras, especialmente varias de artistas venecianos. La Sagrada Familia de Paolo Veronese con Santa Bárbara refleja la opulencia de Venecia en sus tonos dorados y la rica vestimenta del santo. Las figuras realistas y los rostros expresivos son típicos de los pintores venecianos. También en esta galería están la Anunciación y el martirio de Santa Justina de Veronese, y el Retrato de un hombre de Tintoretto. En la siguiente habitación hay varios más de Tintoretto. Mire, también, Head of a Youth de Lorenzo Lotto (1505).

En las siguientes galerías se encuentran obras de Van Dyck y algunas de las mejores obras de Rubens: Enrique IV en Ivry y Enrique IV entrando en París, Isabella Brandt y la entrada de Fernando de Austria en Amberes. En la sala Niobe, busque la mejor escultura clásica de Florencia después de la Venus de Medici, el florero de Medici del siglo II a. C.

12 retratos de Rembrandt

Retratos de Rembrandt
Retratos de Rembrandt
Leonid Ll / foto modificada

A lo largo de su carrera, que coincide con la Edad de Oro de la pintura holandesa, Rembrandt pintó una serie de autorretratos, dos de los cuales se muestran en los Uffizi. Mientras registra los cambios en sí mismo, desde el joven confiado hasta el pintor anciano, también registra su viaje como artista. Con estos se muestra su Retrato de un anciano, pintado casi al mismo tiempo que su autorretrato posterior.

Mire aquí, también, para obras de Caravaggio, incluyendo su Bacchus juvenil, Medusa y El sacrificio de Isaac. El sorprendente realismo de las dos últimas obras se ve intensificado por el brillante sentido del drama de Caravaggio en el uso de la luz y la sombra.

Consejos y recorridos: cómo aprovechar al máximo su visita a la Galería de los Uffizi

  • Recorridos por la Galería de los Uffizi: Visitantes sin colas : el recorrido por la Galería de los Uffizi de Florencia puede evitar las largas colas para ver todos los aspectos más destacados y aprender sobre los artistas y sus obras con un guía experto en arte. El recorrido a pie de 1,5 horas está disponible por las tardes durante todo el año, mañanas y noches en verano. El boleto le permite permanecer después del recorrido para explorar en el tiempo libre. Evita las colas : las entradas para la galería de los Uffizi de Florencia te permiten evitar las colas y explorar la galería a tu propio ritmo sin guía. Otra opción es combinar Uffizi con la otra galería de arte importante en un recorrido sin colas: Florencia Accademia y Uffizi Gallery Tour, pasando 1,5 horas en cada museo con un guía experto en arte. Un recorrido a pie es por la mañana, el otro por la tarde, sin pasar por las líneas de espera.
  • Visitar la Galería de los Uffizi por su cuenta: aunque puede esperar que las colas para la admisión sean muy largas de primavera a otoño, las más largas son los fines de semana, martes y por la mañana. Si no reservó entradas por adelantado, a veces puede comprarlas en la taquilla del museo en la Iglesia de Orsanmichele (cerrado los domingos). Puede que no tengan ninguno disponible, pero vale la pena intentarlo. Hay recorridos en audio disponibles, pero la pequeña guía vendida en la entrada es más detallada.

Dirección

  • Piazzale degli Uffizi 6 (fuera de Piazza Signoria), Florencia
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